Ahora que me botaron vergonzosamente de torrents.ru (sí, también hablo ruso) he estado matando el tiempo con algunos videillos absurdos. El primero pertenece a 31 minutos, un programa "infantil" chileno que dieron algun tiempo en el cable. Videos como este hay varios más jocosas producciones propias. Recomiendo "severla", "bailando sin cesar", "objeción denegada" y "me cortaron mal el pelo"

El segundo video es la mitad de una capitulo del Andy Milonakis' Show, que puede ser visto a ciertas horas, su programación en Mtv es por demás absurdo.Ya he visto varios capítulos y no puedo dejar de reirme. Está coproducido por Jimmy Kimmel, el mismo de The Man Show.

El tercero, que tiene poco de absuro, es el video clip, hecho por un aficionado, de "The monster inside of me" de Daniel Johnston, mi nuevo cantante indie favorito. Recomiendo ver el entretenido documental "The Devil and Daniel Johnston" como introducción a su música (y a su teología además). BLE.

Qué pérdida para el pop...para la música...para el mundo. Disfruten de Falco:

Y aunque así iban las cosas, es decir de mal en peor, y que cuando desconectaron el micro y uno se pudo concentrar finalmente en la música, la audiencia no tardó en descubrir, ya moralmente ultrajada, que nadie se había dado la pena de afinar el piano antes del concierto, como quien dice la cereza sobre el pastel, nada de esto importó demasiado cuando la señorita Chauveau propinó sobre el dudoso teclado de origen chino los primeros acordes de “La mirada del padre”, la bellísima pieza introductoria de las Veinte Miradas sobre el niño Jesús de Messiaen.

Así pues, el concierto estuvo de rechupete, a pesar de la inteligencia nula de los organizadores e incluso de la mala onda de la pianista, que llegó a la desfachatez de saltarse el intermedio, eliminar una pieza del programa y tocar de un tiro los famosos Cuadros de una Exposición de Mussorgski, mediocremente por lo demás, y a una velocidad digna de los juegos de Pekín, para largarse pronto al bar del hotel y olvidar aquél menjunje inverosímil de desperfectos que le habrá parecido la velada sin lugar a dudas, sarta de mugrosos, igualados, mequetrefes, vaya a saber qué tendrá en la cabeza aquella loca. Pero se tocó a Messiaen, señores, reconociblemente a fin de cuentas, y la belleza llegó a abrirse paso. Un poco como en la película de Bergman en la que un cellista borracho toca las suites de Bach frente a Ingrid y sus dos hijas, y lo hace mal pero es hermoso. Así es, amigo melómano: memorablemente malo.

Como verse en un espejo.

Cosas que han llamado mi atención esta semana.

1. Luego de varios días, Evey descubre un pequeño hoyo en la pared de su celda. Hambre y tortura han sido sus únicas compañeras hasta ahora. No quiere confesar, pero su cuerpo se debilita y su alma con él; el hoyo, más que una distracción, es el hilo que la mantiene conectada a un mundo. Finalmente, Evey extrae del hoyo una carta. El papel no podría ser menos indicado para tal función: parece tratarse de un pedazo de servilleta o de papel sanitario. Y sin embargo, la letra es firme y cálida: es una carta de amor, escrita por una presa como Evey, que ocupó la misma celda que ella, que fue apresada por el mismo gobierno fascista que ella, y que murió en esa celda, como probablemente Evey muera en unos días. Así termina la carta: "I don't know who you are. Or whether you're a man or a woman. I may never see you or cry with you or get drunk with you. But I love you. I hope that you escape this place. I hope that the world turns and that things get better, and that one day people have roses again. I wish I could kiss you. Valerie"
(Comic: Moore, Alan, V for Vendetta, New York: DC Comics, 1990).2.Era joven pero sabía lo que hacía. 13 de septiembre de 1848. Un trabajo que ya había realizado varias veces antes: Phineas Gage estaba rellenando con dinamita el agujero de una roca. Phineas era el capataz de la obra; sin embargo, todos los subalternos lo estimaban. Phineas era de aquellos. Veinticinco años, figura saludable, futuro prometedor. Phineas era de aquellos a los que la vida le sonreía, y a esta, Phineas le sonreía de vuelta. Y bien, el 13 de setiemre, realizando una labor que había realizado muchas veces antes, por error suyo -un error imperceptible, de esos de los que uno se olvida dos segundos después de cometerlos- la barra con la que introducía el explosivo en el hoyo tocó la roca e hizo explotar la dinamita. La barra, de 6 kilos de peso y un metro de largo, salió volando hacia la cabeza de Gage, entrando por debajo de su ojo izquierdo, atravesando su lóbulo frontal izquierdo y saliendo de nuevo por el vértice de su cabeza.

3. Las olas al inicio de Nanook of the North. La imagen es inaudita; no recuerdo haber visto algo así en el alguna cinta anterior o posterior. Quizás sea el mar polar de esa región de Canadá, quizás sea el barco en movimiento desde donde la cámara enfoca, quizás sea la naturaleza adivirtiéndole al hombre blanco que no es bienvenido. Puede que como documentalista, Flaherty se haya tomado demasiadas libertades -libertades con respecto a qué, puede uno preguntarse, siendo el primer documental de larga duración en la historia-, pero eso no le resta ni un ápice de poesía a los picos líricos que alcanza la fotografía en esa escena inicial. Simplemente deslumbrante, como el rostro de Nanook en el primer plano que Flaherty le dedica: todopoderoso, y sin embargo afectuosamente, invitándonos a seguirlo.

(Pela: Flaherty, Robert J., Nanook of the North, 1922).4. Los fuegos artificiales en el bosque en Pieza inconclusa para piano mecánico. En una noche de hipocresía, traición y frustración, los fuegos artificales son el perfecto contrapunto a los silencios y miradas incómodas de los viciosos personajes de esta cinta de Mikhalkov. La escena de los fuegos artificales en el bosque es genial porque primero nos coloca ahí, junto a los actores, en un momento completamete negro y silencioso, y luego nos devuelve a los colores llamativos y las sensaciones fuertes; todo esto con una cámara que marea, que navega a la deriva, que recuerda más a un barco a la deriva en la que los pasajeros se rehusan a aceptar su destino inevitable al fondo del mar. Pelas de Mikhlakov aun siguen en cartelera, gracias al Festival de Cine de Lima. Luego de ver esta pela, estoy seguro de que todas valen la pena. (Palabras del director: "¿Qué más puede ofrecer un artista que ha visto lo absurdo del mundo, que no sea su propio amor?" ). Me emocionó mucho verla porque sentí que había descubierto un nuevo mundo. Gracias Ese Landolt.

(Pela: Nikita Mikhalkov, Pieza inconclusa para piano mecánico, 1977).

Lean:

Fuente: Filmbarin

No me parece una crítica del todo justa. Es cierto que la pela es simplista en ciertos momentos y que al final todo parece resumirse a "los buenos" versus "los terrucos", pero la cuestión no estan simple.
Hace unos días (antes de contraer la maldita fiebre que me ha mantenido encerrado en mi cuatro los útimos días) vi Roma ciudad abierta de Rosellini. No soy un gran fan del neorealismo italiano; nunca lo he sido, pero qué puedo decir: esta es una obra maestra.Fue filmada durante la ocupación nazi en Italia, con todas las limitaciones y dificultades del caso. Ni villanos ni héroes -nunca del todo-: personas de la calle, reconocibles y cotidianas, interactúan en una comedia humana de la incertidumbre. Como mucho neorealismo, coquetea con el melodrama, pero opta sensatamente por el decoro.
No hay pues ni dimensión épica ni gran presupuesto, ni siquiera actores profesionales. Y sin embargo Rosellini hace de todo esto no defectos sino posibilidades. Si como espectadores aceptamos el eventual descuido técnico y el no academicismo actoral -licencias para entrar a la apuesta del director-, la cinta fluye perfectamente. Nos atrapa.
Toda historia tiene sus condiciones: como espectadores, las aceptamos, negociamos con ellas. Así, aceptamos que un musical los protagonistas empiecen a cantar, que en el cine noir, la femme fatale carezca por completo de alma y que en un western, el protagonista sea prácticamente invencible.
Sin embargo, nunca he sido del todo capaz de tranzar con las condiciones del neorealismo italiano. Nunca entendí bien por qué. Ensayo ahora una respuesta, tonta y del momento, digna de un blog. Entiendo el drama -y muchas veces tragedia- al que se enfrentan los personajes, pero nunca empatizo del todo con ellos. Por ejemplo, el Ladrón de bicicletas. Entiendo su lugar capital en la historia del cine, estoy seguro que dicha película es brillante, pero a un nivel personal, no me tocó.
Quizás yo, por motivos ya de personalidad, necesito tener el aspecto visual, simbólico, musical... ahí presente, gritándome en la cara, para ser conmovido por la historia.

¿Por qué sí me tocó Roma ciudad abierta? Sospecho que fue por Anna Magnani.

Ana Magnani

A pesar de no haber grandes elementos técnicos ni efectistas -que, aceptémosolo, son las que mejor me atrapan-, Ana Maganani es todo lo que una película necesita para ser poderosa. Su presencia llena cada fotograma, no del hedonismo de otras grandes actrices italianas, sino con un tremendo calor y energía que en pocas actrices he visto. Ana Maganani es de esas actrices que con un segundo en pantalla exhalan más vida que muchas personas de carne y hueso en la calle.
Acabo de descubrir que soy un espectador hedonista. Me gustan las imágenes bellas (u horribles), los diálogos bonitos (o crueles), en fin, el efectismo. Incluso en el cine de Rohmer, completamente divorciado de efectos espectaculares y elucubrados argumentos, esel preciosismo de sus imágenes y de sus diálogos (para muchos amigos, interminables), lo que hace de sus pelas de mis preferidas.

Soy un hedonista (una vez más, peco de akrasía -el incontinente me dicen-). Y sin embargo, nada es tan blanco ni negro. También antes de enfermar vi The Pillow Book de Peter Greenaway. Este director es conocido por sus a veces exagerados experimentos visuales. La pela en efecto tiene bellísimas imágenes que aportar, pero para los que la han visto, es obvio que DEMASIADAS imágenes pueden ser DEMASIADO a veces. (Sin embargo, coincido con Ese Landolt en que puede haber otras pelas buenas del mismo director. Estoy impaciente porque una amiga me preste Zoo).

¿Neorealismo lorcho? ¿La protagonista de Pillow Book? ¿Katia? Ni yo entiendo esta foto.

En fin, ni lo uno ni lo otro. Ni pura historia sin belleza, ni pura belleza sin historia. En Dark Knight, Nolan quiso explorar la línea entre bien y mal, entre héroe y terrorista (ambos megalómanos). Para mí, algo nunca me terminó de cuajar en su exploración, pero dado que asumí la escala heroica -épica-, todo esto se perdona; no es neo-neorrealismo con lo que nos las vemos aquí, sino con una historia de héroes y villanos. Y eso está bien. Es la dimensión del comiclo que le da ese encanto, lo que la hizo atractiva y lo que le permite concesiones. Todo bien hasta ahí.

Joker, en tiempos más simples

Pero hace poco vi Batman Begins del mismo Nolan y no sentí el mismo agrado. Nolan se esfuerza en "hacer reales" a sus personajes, como si no nos estuviera vendiendo una película de superhéroes sino Arma Mortal 4. Yo creo que hacer eso de manera exagerada es un error. No tiene por qué haber una "seria y minuciosa" explicación de su entorno, porque eso está más allá de la esfera -del feeling- comic. Espero que esa no haya sido la intención de Nolan con Begins y mucho menos con Dark Knight o con las que vengan luego. Está bien que haga aterrizar a Batman (luego de las lamentables adaptaciones de los noventas), pero hacerla "real" y "seria" le quita su encanto, y también el derecho a concesiones que como espectadores le debemos a las películas de superhéroes. Si quieres hacer una película "seria" sobre corrupción, sería más consecuente poner una cámara dentro del congreso.
Creo que Nolan se la toma menos "en serio" en Dark Knight, y justamente eso la hace funcionar mejor -a mi parecer- que Begins, pero eso es ya un tema de gustos. Bajo esos términos épicos, la oposición héroe-villano tiene más sentido y funciona mejor. Por eso creo que es injusto que se la acuse de "simplista" si no fue su intención ser del todo realista para empezar.